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没有时空限制的舞蹈剧场--沈伟

2014-10-30 15:47已阅读1325次

     灰暗的方形舞台上,12位舞者身着灰色调服饰,在斯特拉文斯基躁动不安的音符中开启了一场视觉与身体的舞蹈实验

       10月25日,沈伟舞蹈团的《春之祭》和《声希》在上海国际艺术节登台。这一夜,很多人的朋友圈都被唯美的舞台剧照刷了屏。在上海文艺圈齐刷刷的惊叹和赞美声中,也穿插着零星的不屑一顾,但这已经证明,沈伟的现代舞成了文艺圈讨论的热点。这股小众的风潮甚至蔓延到北京,11月3日、4日,沈伟将带着他的舞团转战北京,在首都博物馆上演“声希之夜”,听闻上海的一片好评声,北京文艺圈已经开始倒计时期待沈伟的到来。

  在博物馆里做现代舞演出,是沈伟多年前就开启的“博物馆系列”,他的舞蹈曾经走进新泽西玛纳当代艺术中心、古根海姆美术馆和纽约大都会博物馆。如今,沈伟选择北京做国内的博物馆首秀,颇有些深意—2012年11月,沈伟舞蹈团第一次在中国演出就是在北京国家大剧院,票房却不太理想。两年中,关于沈伟的报道零星地出现在媒体中,却始终维持在低调、小众的范畴。《春之祭》和《声希》在上海引发的热潮,既在意料之中,也在意料之外。

  上半场的《春之祭》是沈伟2002年的旧作。灰暗的方形舞台上,12位舞者身着灰色调服饰,在斯特拉文斯基躁动不安的音符中开启了一场视觉与身体的舞蹈实验。舞者之间像是有一股神秘力量拉扯牵引着彼此,他们在舞台上蠕动、弹跳、奔跑、翻滚,12人的阵型在舞台不规则的几何形格子间来往穿梭,变幻无穷,精妙地对应着《春之祭》中的狂欢意味。单个舞者的动作看起来连贯而轻盈,组合起来却包含着复杂的内在逻辑。沈伟在舞蹈中向曾经影响过他的《春之祭》致敬,也实践着他严谨而理性的身体自然发展实验。当年《纽约时报》的舞评家看得摸不着头脑,足足重看四五遍才落笔完成评论。

  把躁动的《春之祭》和静谧的《声希》放在同一个夜晚,是沈伟刻意的安排。他希望让人们在一个夜晚看到他作品中的差异性,看到现代舞更多的可能性。

  沈伟的每一部舞蹈作品都是自己完成编舞、服装设计、舞台设计,《声希》这部早期作品中,综合而立体地呈现出沈伟在视觉艺术上的造诣。黑色、红色与金色是《声希》的舞台基调,八大山人的古画是舞台上唯一的布景,右侧舞台上挂着一只始终不停歇的摆锤,跟人的心跳频率接近,似乎预示着时间的缓慢流逝。这是一部绝美得凝滞的现代舞,舞者顶着宋代仕女的发髻,全脸涂白,下半身藏在巨大的裙摆中,以极度缓慢的舞步不动声色地轻挪身体。回荡在剧场中的吟诵声,雕塑般的身体,都让《声希》蔓延出中国宫廷威仪森严的气氛,以及西方宗教中的静谧感,你可以说它是超现实主义的,同时也是古典主义的。看这部作品的过程,就像是一场禅修或打坐,缓慢得具有仪式感的动作也许并不能称作严格意义上的舞蹈,却能让人呼吸变缓,心境平和。

  上半场的《春之祭》和下半场的《声希》之间,沈伟特地为上海观众穿插了他2013年的新作“1+1”,以及2003年的“0-12”。这两个由数字组成的实验性现代舞作品在“完成”的一瞬间获得全场一片惊呼—舞者在一块巨大的白色画布上起舞,舞者的身上和画布上,都有一些事先涂抹的颜料,随着舞者每一个动作的舒展、翻滚、旋转,颜料在画布上一点点被人体的动作所晕染、混合,待舞蹈结束,浑浊的色彩凝固为一幅即兴的抽象画。这幅巨作从平铺状缓缓举起时,现场一片掌声与喝彩。

  在沈伟身上,舞蹈、剧场、诗歌、绘画、装置艺术等艺术门类没有边界可言,他从不在乎视觉是否应该为舞蹈服务,也不在意自己玩的是写意、抽象、古典还是超现实。他的绘画天赋、戏曲功底都给他的舞蹈实验提供丰富而开阔的养料,他的作品之所以在欧美获得盛名,恰是因为东方与西方在他身上模糊地共存,最终大胆抽离出只属于他个人风格的、没有时空限制的舞蹈剧场。